ARATAPENDANTS VOL.6

artist talk 8
yutaka hashimoto/ painter
moemi nakakoji/ painter


出展作品についてまず橋本さんからお願い致します。

橋本 ユタカ(以下H) 僕はグラフィティと洞窟の壁画をベースに、線画でドローイングしてます。
内側はスケーターをモチーフに、外側は女性の体を書いています。
内側に関しては、ポーズだけを抽出し表現しています。
今回はグラフィティをテーマで文字に寄せようと思い、記号化して書いています。
表側の女性に関しても、線なのか絵なのか分からなくなるところまで削ぎ落としています。

中小路 萌美(以下N) 私は自分が見たものそのままをモチーフとして描き、隣り合ってる形と形をくっつけたり全然違うところの線を引っ張ってきたりと、合体と分解を繰り返しながら画面上で新しい形を作ることをテーマに制作してます。

出展に至った経緯を中小路さんからお願いできますか。

N 今回出展してる林葵衣さんという作家さんの紹介です。
林さんは前回のアラタパンダン展に参加されていて、それを見に来て、こういう展示だよっていうのを教えてもらって。
とても面白そうな企画だったので今回は参加しました。

H 僕は去年の十月くらいに、UNKNOWN ASIAというアートイベントで平野さんに審査員賞をいただき、やらせていただくことになりました。

お互いの作品はご覧になりましたか。

H はい、僕は色から読み取れるものを一切排除してるので、全然真逆のアプローチをされてる方だなっていうのは、思ってました。

N 一番最初に思ったことは、どれぐらいのお時間で書かれているか。 線で一発書きですよね。
私の作品の場合、何層も重ねながら形を探っていくのに対し、一発で決めるっていうのはすごい緊張感だろうなと思いまして。

H 正直制作時間のこと聞かれると多分引かれるんですけど(笑)。
外側は一日で書きました。 中側は一日一枚って感じです。制作期間自体は短いですが、こういう形にしようとか、こういう展示にしようというところのアイデア出しはすごく時間がかかります。
考えて考えてパッと作るっていう感じです。

中小路さんの作品で特徴的なのはタイトルですよね。

N 作品の作り方と同じ付け方をしたいと思い、つけてます。 自分が見たものや聞こえてきた音を引っ張り出して並べ替えて組み替えたりしてます。 なのでタイトル自体に意味はないです。

抽象化されたと風景と音によって作られたタイトルが組み合わさり非常に不思議な印象を受けます。

N そうですね。 ただ最近は風景とは言わないようにしていて、私自身から見たもの全て、という風に言い換えるようにしてます。風景だとあまりにも絵画らしすぎるというか。
通勤時の小道ですとか、山に登った時ですとか、いろんな場所をモチーフにしてますので。

グラフィティの一発で書くということは、絵画のプロセスと違い運動に近いと感じました。

H 絵や絵画より、もっと原始的な行為をしてる自覚はあります。 どう技術に落とし込んでいくか、今後考えながらやっていきたいと思っています。

中小路さんの作品は色に統一感がありますね。

N 今はブルーグレーが多いですね。外にあるものにブルーやグレーが多いので。
外というのは上には必ず空があるのでその色です。雨の日は眺める余裕もないので、曇りの日か晴れの日かというところで、ブルーグレーという色が出てきてるのではないかなと。

最後に、絵画が行き着くところというのはあったりするのでしょうか。

H ポップアートでいう、キース・ヘリングは世界的にも有名で、誰が見てもこれはキース・ヘリングというような作品が生み出されてる事実もあるので、突き詰めていけば、これも現代絵画に寄せていけると個人的に思います。
作品を作る上で日本的なものをどこかに入れたいと思っていて。 世界に発表していくとき、日本人である精神は外してはいけないなと。

N 今回は特に絵画の強度を考えながら展示しました。 会場はホワイトキューブではなく、たくさんの柱や、窓枠も黒であったり、美術館とは全く違う空間です。
私はコンクリートブロックの上に置いただけのかなり簡単な展示をしました。
自分の作品がきちんと作品として成立するのかという点を確かめたくて。どういう扱いをして自分の作品が作品たり得るのか、というのを 最終日まで観察して今後の作品の手がかりにしたいなと思っております。



橋本 ユタカ / 絵描き
1979年大阪生まれ、嵯峨美術短期大学、大阪総合デザイン
専門学校卒業後、制作をやめていたが、2016年より関西を
拠点に活動を再開する。色を使わず、白と黒だけでストリート
カルチャーをモチーフにした作品を制作している。


中小路 萌美 / 画家
主に油絵の具とキャンバスを使用し「可視・不可視」をテーマに
制作している。自分が見た風景をきっかけに分解・再構成を
繰り返しながら、見たことのない色や形を探している。




Would you tell us about your pieces, Mr. Hashimoto?

H I draw a picture with lines based on graffitis and wall paintings in caves.
The inside part is a motif of skateboarders, and the outside part is a motif of a woman figure.
I extracted silhouettes of poses from the inside part. The theme is graffiti this time, so I draw them symbolically to focus on letters.
For the outside part, I have taken many things out until you don’t figure whether they are lines, pictures, or letters.

N The theme is to create a new shapes. I draw what I have seen as a motif and take those parts together and apart while putting together figures next to each other and pulling lines from the different parts.

Would you tell us about what brought you here?

N Ms. Aoi Hayashi introduced the exhibition to me.
She exhibited at the last one, and I came there to see how it went.
I thought it was very interesting, and I made up mind exhibiting my artworks here.

H Mr. Hirano nominated me for the award in the art event, “UNKNOWN ASIA,” and I got the award in October last year. I just got a chance to exhibit my pieces.

Have you both seen each other’s pieces?

H Yes, I have. I take out anything colored not to give any affection to viewers so I thought she took a complete opposite way to approach to her pieces.

N What I first thought about was how long he would usually take to finish it.
He took only one stroke. I search for the shape I want by painting many layers.
However, he has one stroke for each line, and I wondered how tense it is.

H I know you would be disappointed at production time, but it takes one day to draw the outside part.
It takes one day per a piece for the inside part. The time is short, but I take a lot of time for ideas such as shapes or presentations.
I don’t take much time for production after deep considerations.

The title of Ms. Nakakouji is characteristic.

N I wanted to put the title in the same way as creating my pieces.
I pulled out what I’ve seen and heard and rearranged them. Therefore, I don’t particularly put any meanings in the title.

I have a very mysterious impression from the piece created based on the combination of abstract sceneries and the title made by the sounds.

N Now, I don’t use the word, “scenery.” Instead, I use “all I have seen.” Sceneries are very painting-like. I’ve taken various places for motifs such as small streets when commuting or trails when climbing up a mountain.

The one stroke would rather be similar to movements than process
of paintings.

H I know I take more primitive actions than pictures and paintings.
I will think about how to apply them into my techniques.

The base colors are in common in your pieces.

N I often put blue grey now. There are many blue or grey things outside.
I meant the color of the sky outside. I don’t see the rainy sky, so colors of blue or grey are often used because I see the clear or cloudy sky.

How further can paintings go?

H There is a graffiti artist, Keith Haring, in the pop-art world. He is very famous worldwide.
Everyone can recognize his artworks. I personally think his artworks could be modern paintings.
When I make a piece, I always want to put something Japanese in it.
If I present my pieces to the world, I have to keep my Japanese spirit and identity of being a Japanese person.

N I participated in the exhibition thinking about the strength of paintings.
The place is not a white cube. There are many pillars and black window frames here.
It is completely different from an art museum. I put my piece on the concrete block casually.
I wanted to make sure if my piece can be an art piece properly. I also want some clues for the next potential pieces until the last day by observing how my piece becomes a art piece through people.



Yutaka Hashimoto / Painter
Born in Osaka in 1979. Yutaka Hashimoto graduated from
Kyoto Saga University of Arts and Osaka Sogo College
of Design. Though he was away from productions after
his graduation, he restarted his career based in Kansai
from 2016. His productions are motif-ed in street culture
with any other colors than black and white.


Moemi Nakakoji / Painter
Moemi Nakakoji’s pieces are themed productions in
“Visible・Invisible” using oil paints and a canvas. The
sceneries she saw started resolution and re-construction
repeatedly, and she tries to find colors or shapes that
have never been seen.